La exposición desvela los secretos que se esconden bajo la superficie de las famosas obras de Gustav Klimt: ¿cómo aplicaba el artista el oro y otros metales preciosos al lienzo? Las tecnologías actuales permiten observar las capas internas de la pintura y comprender el proceso de trabajo de Klimt.

La exposición del Museo Orsay sobre el artista noruego Christian Krohg es la primera retrospectiva de su obra fuera de Escandinavia, después de las exposiciones en Oslo y Lillehammer el 2012 y Copenhague el 2014. Al destacar las obras naturalistas y comprometidas de Krohg, el museo ofrece una nueva perspectiva sobre el arte noruego de finales del siglo XX y principios del siglo XX.

Por primera vez, el Petit Palais revela la diversidad y amplitud de su colección de diseños de joyería, que abarca más de un siglo de creación, desde la segunda mitad del siglo XIX hasta mediados del siglo XX.

La exposición «Tiempos de cambio» entrelaza elementos biográficos y artísticos, centrándose en las rupturas y transformaciones de las «obras tardías» de Egon Schiele de 1914 a 1918, un periodo que hasta ahora ha recibido comparativamente poca atención. Durante este periodo, Schiele abandonó gradualmente los radicales experimentos formales de 1910 a 1914 y desarrolló un estilo más realista caracterizado por una empatía más profunda. Su trazo se hizo más tranquilo, fluido y orgánico, y las figuras que representaba adquirieron mayor plenitud física. La exposición también ofrece nuevas perspectivas sobre este periodo crucial al incorporar materiales de archivo contemporáneos, como el diario inédito de Edith Schiele.

La primera muestra que el Museo de Orsay dedica al espectacular desarrollo del cartel ilustrado en color a finales del siglo XIX.

La exposición, que incluye una serie única de obras de los maestros del cartelismo, muestra cómo este medio se elevó hasta "al rango de la pintura mural", tal y como lo expresó el crítico de arte de Nancy Roger Marx. Esta inmersión en la era dorada del cartel ilustrado también analiza el auge del consumo y la cultura de masas, en las que el arte del cartelismo tuvo un papel a la vez como vector y síntoma. Dibujos, objetos de arte, fotografías y pinturas evocan el efervescente mundo de la calle como escenario durante la Belle Époque, cuya imagen fue en parte conformada por estos carteles.

La muestra, que se podrá visitar del 18 de marzo al 6 de julio de 2025, está organizada en colaboración con la Biblioteca Nacional de Francia. Lo han comisariado conjuntamente Élise Dubreuil, curadora jefe de Artes Decorativas del Museo de Orsay; Sandrine Maillet, responsable de la colección de carteles de la Biblioteca Nacional de Francia; Anne-Marie Sauvage, curadora general de bibliotecas, y Clémence Raynaud, curadora jefe de Arquitectura del Museo de Orsay.

La muestra reúne a un centenar de objetos característicos del Modernismo en sus variantes de España, Art Nouveau en Francia y Bélgica, Jugendstil en Alemania y Sezession austríaca. También se dedica dos espacios monográficos a los diseñadores Josef Hoffman y Peter Behrens.

Una exposición de obras maestras del Art Nouveau, en la que las flores son las protagonistas.

El Palazzo Bonaparte presenta "Munch:The Inner Cry", una gran exposición retrospectiva dedicada a Edvard Munch, con 100 obras del Museo Munch de Oslo.

Esta exposición reúne notables ejemplos de cerámica francesa que demuestran la enorme innovación en el campo de la cerámica artística entre las décadas de 1860 y 1910. Durante este periodo, los artistas europeos se vieron profundamente influidos por el arte japonés, incluidos los grabados en madera, la cerámica, los textiles y los objetos lacados, que llegaron a Europa tras la reapertura forzosa de los puertos japoneses al comercio exterior en la década de 1850. Como parte de un fenómeno cultural más amplio que llegó a conocerse como «japonismo», artistas como Félix Bracquemond, Ernest Chaplet, Théodore Deck, François Laurin y Albert-Louis Dammouse incorporaron a sus cerámicas temas, decoraciones y formas inspirados en el arte japonés, a la vez que experimentaban con nuevas técnicas como la barbotina (un método de decoración de cerámicas con engobes de arcilla coloreados) y esmaltes que imitaban ejemplos muy apreciados de la cerámica de Asia oriental.

Las obras expuestas proceden de la colección de Larry A. Simms, profesor jubilado de una escuela pública de Nueva Jersey que reunió una de las colecciones privadas de cerámica japonista más importantes de Estados Unidos, muchas de las cuales ha donado ahora al Museo de Arte de Filadelfia.

La exposición revaloriza la obra del artista pionero del Art Nouveau Alphonse Mucha (n. 1860, Ivančice, Moravia, Imperio austriaco; m. 1939, Praga, Checoslovaquia) y explora su impacto en el arte gráfico desde la década de 1960. Esta exposición ofrece la oportunidad de examinar el desarrollo del estilo de Mucha y de explorar cómo su arte fue redescubierto por generaciones posteriores de artistas. Mucha fue una influencia clave en el arte psicodélico de los años sesenta y setenta, así como en una amplia gama de la cultura visual desde finales del siglo XX hasta nuestros días, ejemplificada en los cómics estadounidenses, el manga japonés y los murales callejeros.

Un acercamiento al Modernismo a través de las artes decorativas, donde la búsqueda de la belleza transformó los objetos cotidianos en auténticas obras de arte. Conferencia a cargo de Andrés Alfaro Hofmann, comisario de la exposición situada en la Primera Planta del Museo, y propietario de la colección Alfaro Hofmann de artes decorativas.

La muestra presenta un recorrido que traza el interés creciente del pintor hacia los elementos florales. A través de aceites, dibujos, fotografías, estampas e indumentaria de Anglada-Camarasa, nos hace comprender como la flor aconteció un elemento principal de sus pinturas y como las flores dibujaron su vida.

El director del Museo del Modernismo de Barcelona y presidente de la Asociación del Legado de Ramón Casas i Carbó, presenta un análisis profundo de la pintura modernista y su impacto en la historia del arte, así como las claves de esta corriente artística, destacando su estética, temas y los grandes maestros que la unieron.